«Я русский композитор, и моя родина наложила отпечаток на мой характер и мои взгляды».
Эти слова принадлежат Сергею Васильевичу Рахманинову — великому композитору, гениальному пианисту и дирижеру. Все важнейшие события русской общественной и художественной жизни отразились в его творческой судьбе, оставив неизгладимый след в музыкальной сокровищнице России.
Присущее Рахманинову остро-лирическое ощущение эпохи неизменно связалось у него с образом горячо любимой Родины, с беспредельностью ее широких далей, мощью и буйной удалью ее стихийных сил, нежной хрупкостью расцветающей весенней природы.
С.В. Рахманинов родился 20 марта 1873 г. в родовом имении Семёново, находящемся к югу от легендарного Ильмень-озера в Новгородской губернии. Отец Рахманинова принадлежал к старинному дворянскому роду. Мать была дочерью профессора, генерала, ректора Кадетского корпуса. Будучи людьми музыкально чуткими, родители рано заметили одаренность сына. Жизнь Рахманинова в юности была трудной и малообеспеченной. Родители его разошлись, имения пришлось продать. Внешне сдержанный, даже замкнутый, молодой музыкант тяжело сходился с людьми, и его нередко томило чувство одиночества. Смысл жизни составляла музыка, которая безраздельно владела всеми мыслями и чувствами.
Одаренность Рахманинова как пианиста и композитора была феноменальной. В 1888 г. он начинает учиться на старшем отделении консерватории у А.И. Зилоти и в 1891 г. блестяще заканчивает консерваторию по классу фортепиано. Не менее значительными были успехи по композиции, его учителями были С.М. Танеев и А.С. Аренский. В консерваторские годы написан юношески вдохновенный «Первый концерт для фортепиано с оркестром». В качестве дипломной работы Рахманинов представил оперу «Алеко» по поэме А.С. Пушкина «Цыганы».
В ранних сочинениях Рахманинова явственно определились черты его романтического стиля – открытый мелодизм, многоплановый красочныий гармонический язык, склонность к лирико-психологическим обобщениям. По окончании консерватории Рахманинов много и вдохновенно работал. В 90-е гг. им были созданы романсы «Не пой, красавица, при мне», «Весенние воды», «Островок», Первая симфония, симфоническая картина «Утес», Элегическое трио «Памяти великого художника» (на смерть П.И. Чайковского).
До самой революции Рахманинов испытывал духовный подъем, вылившийся в новые крупные сочинения: Второй и Третий концерты для фортепиано с оркестром, оперы «Скупой рыцарь» и «Франческа да Римини», симфоническую поэму «Остров мертвых», поэму для симфонического оркестра, хора и солистов «Колокола».
Подобно многим своим выдающимся современникам-интеллигентам, революционный переворот и приход к власти большевиков Рахманинов не принял. Он писал: «Россия шагнула в пустоту». В декабре 1917 г. он с семьёй навсегда покинул Россию. Дав в 1918 году цикл концертов в Европе, он затем поселился в США, где завоевал большую популярность как выдающийся пианист и крупнейший дирижер эпохи.
Рахманинов тосковал по утраченной старой России. Разрыв с Родиной был для него огромной личной трагедией. Прервалась связь «земли и души», пошатнулись устои жизни и творчества. В течение десяти лет композитор переживает глубокий кризис и почти не пишет музыку. Позднее он сказал: «Уехав из России, я потерял желание сочинять. Лишившись родины, я потерял самого себя».
Нападение Германии на СССР произвело на композитора сильнейшее впечатление. В годы Великой Отечественной войны он направил в фонд Обороны СССР денежные средства, полученные от цикла своих концертов, со словами: «От одного из русских посильная помощь русскому народу в его борьбе с врагом. Хочу верить, верю в полную победу». Известно, что на средства Рахманинова был построен боевой самолет.
В композиторской биографии Рахманинова можно выделить
три творческих периода:
Первый период охватывает 90-е гг. XIX в., когда были созданы юношеские сочинения композитора: Прелюдия до-диез минор, романс «В молчании ночи тайной», Первый фортепианный концерт и т. д.
Третий этап творчества приходится на время вынужденной эмиграции. На протяжении 30-х гг. композитор написал только несколько крупных инструментальных сочинений, полностью отказавшись от создания вокальной музыки: Четвертый фортепианный концерт (1926), Три русские песни для хора и оркестра (1926), «Вариации на тему Корелли» для фортепиано (1931), «Рапсодию на тему Паганини» (1934), Третью симфонию (1936), «Симфонические танцы» (1940).
ФОРТЕПИАННОЕ ТВОРЧЕСТВО
Важнейшую и большую часть творческого наследия Рахманинова составляют сочинения для фортепиано. Лучшим исполнителем этой музыки по праву считался сам композитор, у которого, как говорили, были «волшебные руки».
Для фортепиано композитор создал произведения и малых, и крупных форм: пьесы-фантазии, «Салонные пьесы», этюды- картины, музыкальные моменты, прелюдии, вариации, сонаты — все эти разные по своему характеру сочинения вошли в золотой фонд русской музыкальной классики.
Из ранних произведений наибольшую популярность приобрела прелюдия до-диез минор ор. 3. № 8. Её музыка насыщена контрастными образами, мятежными и страстными. В сочинении слышны интонации то мерного погребального шествия, то грозного набатного колокола. Впервые появившаяся в этой прелюдии рахманиновская колокольность позднее составит одну из ведущих, «знаковых» сторон стиля композитора.
В преддверии грозных социальных потрясений Рахманинов написал Этюды-картины ор. 39. (ранее им были созданы Этюды-картины ор. 33). Композитор трактовал этюд-картину как жанр художественного, а не инструктивного содержания. Интересна и неожиданна «программа» Этюда-картины ля мажор ор. 39. По сохранившимся словам Рахманинова, стремительный бег этой музыки навеян образами Красной Шапочки и Серого Волка. В сочинении можно услышать то грозное рычание зверя, то вскрики убегающего ребенка. Однако не стоит видеть в его содержании полную аналогию со сказкой. Символика пьесы скорее подразумевает роковое движение грозной силы, неумолимо сметающей на своем пути человеческое начало.
Одним из самых сложных фортепианных произведений крупной формы являются «Вариации на тему Корелли» (1931). В их основу положена испано-португальская песня «Фолья», некогда использованная великим итальянским композитором Арканджело Корелли в финале сонаты для скрипки и basso continuo. В своем изначальном виде печальная песня рассказывает о девушке и её несчастной любви. Корелли внес некоторые изменения в мелодию, сделав ее более строгой. В этом варианте использовал песню и Рахманинов. Вариации проникнуты глубоким трагизмом, чувством обреченности, катастрофы.
Мировую славу принесли Рахманинову его
произведения для фортепиано с оркестром.
Цельностью художественного замысла и особой поэтичностью можно отметить знаменитый Второй концерт для фортепиано с оркестром (c-moll). Премьера сочинения 27 октября 1901 г. была воспринята современниками как событие, равное постановке «Вишневого сада» А.П. Чехова в Художественном театре. В концерте с особой силой проявилась почвенность творчества композитора. Крупные формы произведения заставляют вспомнить монументальные новгородские и киевские фрески, могучая колокольность – героические страницы древнерусского эпоса, лирическая одухотворенность – русские пейзажи. Концерт состоит из трех частей.
Вторая часть концерта (ми мажор) переносит слушателя на лоно природы. Ее музыка, словно тихий островок в море бушующих страстей, передает состояние «вечного покоя».
Финал – гимнический апофеоз концерта, утверждающий всепобеждающую Любовь. Музыка «поёт» о прекрасных началах Бытия. В ней царит эмоциональная приподнятость и восторг человека перед лицом Творца.
Первая часть написана в форме сонатного allegro. Она открывается гулкими набатными ударами фортепиано – вступлением к главной теме.
Достойное место в музыкальной сокровищнице мира занимает Третий концерт. Первое исполнение Третьего концерта для фортепиано с оркестром состоялось в Нью-Йорке в 1910 г. Позднее с ним познакомились москвичи. Премьера прошла успешно, но все же настоящее понимание этой музыки широкой публикой пришло не сразу. В концерте существенно обогатился стиль композитора, появилась большая свобода в трактовке сонатной формы. По утверждению Б.В. Асафьева, именно с Третьего концерта произошло окончательное формирование «титанического» облика рахманиновской фортепианной музыки за счет преодоления «наивно романтической фактуры» ранних сочинений. В концерте три части.
Финал насыщен наступательной Рахманиновской ритмикой, хлещущей через край взволнованной волевой энергией. В нём, как в финале Второго концерта, композитор утверждает победу Света и Любви.
Вторая часть концерта – Интермеццо. Оно написано в форме вариаций на простую песенную тему, звучащую первоначально в оркестре.
В годы эмиграции самым популярным сочинением композитора стала «Рапсодия на тему Паганини» для фортепиано с оркестром (1934). Она написана в форме вариаций, в основу которых положена тема паганиниевского каприса ля минор, часто встречающаяся в фортепианных обработках композиторов XIX в. (Ф. Лист, Й. Брамс). «Рапсодия на тему Паганини» является крупным концертным произведением, в котором вариационная форма достигает симфонических масштабов обобщения. В непрерывном драматическом развитии Рапсодии можно выделить три этапа: экспозицию образа (No 1-10), среднюю, более импровизационную часть и репризу.
Следуя романтической традиции свободных вариаций, композитор существенно видоизменяет тему, сохраняя лишь ее контуры. Характерной чертой фортепианной партии является графичность, легкая стаккатность звучания – аналог скрипичных приёмов, привнесённых в фортепианную фактуру. Премьера «Рапсодии на тему Паганини» состоялась в Филадельфии осенью 1934 г. Исполнители – автор и Филадельфийский симфонический оркестр под управлением известного дирижера Л. Стоковского. Созданная Рахманиновым за десятилетие до смерти, Рапсодия была воспринята многими современниками как лучшее произведение композитора.
СИМФОНИЧЕСКОЕ ТВОРЧЕСТВО
Симфоническое творчество Рахманинова представлено разными жанрами, характерными для русской музыки XIX–XX в. Им написаны три симфонии, программная симфоническая картина «Утес», симфоническая поэма «Остров мертвых»; последним крупным сочинением для оркестра явились «Симфонические танцы» (1940). Симфонизм Рахманинова отличается многообразием содержательных признаков, соотносимых с лирико-эпической, лирико-психологической и драматической линиями развития русского музыкального искусства.
Лирическое начало выражено в исповедальном характере образов, их личностной окрашенности, доминировании субъективных ностальгических настроений. Эпическое представлено неспешным повествовательным развитием общезначимой идеи. Драматическое рождается на основе глубоко конфликтного «мирочувствования» мастера, воплощается в борении двух противоположных начал, определяя содержание всех его крупных симфонических замыслов.
Третья симфония относится к позднему периоду творчества. Она была написана в 1936 г., спустя почти тридцать лет после Второй симфонии. Симфония была новаторским сочинением с точки зрения мелодики, гармонии, инструментовки. В ней композитор продолжает размышлять о России, её красоте и величии, ее крестном пути. Философская концепция симфонии отражает религиозно-мировоззренческую позицию автора, воплощенную через столкновение богоданного человеческого начала с фатальной бесовской фантасмагорией.
Произведением меньшего масштаба, но интересным и во многом новым для Рахманинова является симфоническая картина «Остров мертвых» по одноименному живописному полотну А. Бёклина или, точнее, созданная под его впечатлением. Симфоническая картина написана в начале 1909 года, первое исполнение под управлением автора состоялось 18 апреля того же года).
Жизнь и смерть воспринимаются композитором как некая извечная антитеза, борьба непримиримых в своей противоположности, хотя и неразрывно сопряженных начал. Эта мысль выражена музыкально в контрасте двух элементов: неизменного остинатного ритмического движения на фоне медленно сменяющихся выдержанных гармоний и трепетно взволнованной лирической темы, получающей широкое развитие в среднем разделе.
Внезапный грозный срыв, после которого появляются в приглушенном матовом звучании кларнета и засурдиненных вторых скрипок начальные интонации темы Dies irae, сопровождаемые мрачно звенящими аккордами арфы и смычковых, служит переходом к заключительному разделу: снова слышится то же неумолимо ровное движение, что и в начале, устанавливается непроглядно серый колорит густого, тяжелого сумрака. Смерть торжествует, но в памяти продолжает звучать страстная мольба о жизни — так можно резюмировать впечатление от этой пьесы, в которой композитором была впервые с такой прямотой поставлена волновавшая его проблема жизни и смерти.
Поэма для симфонического оркестра, хора и солистов «Колокола» на стихи Эдгара По в русском переводе К.Д. Бальмонта, написанная в пору высокой творческой зрелости Рахманинова (1913), по значительности своего замысла и мастерству его воплощения принадлежат к наиболее выдающимся образцам русской музыки кануна первой мировой войны. Напряженно экспрессивный, беспокойный характер музыки «Колоколов» обусловлен, как замечает Асафьев, «слиянием тревожных стадий в чувствованиях Рахманинова <...> с интуитивным постижением им глубоких тревог в недрах русского общества». И в этом смысле рахманиновская поэма оказалась таким же пророческим произведением, как «Прометей» А.Н. Скрябина или «Весна священная» И.Ф. Стравинского.
С областью рахманиновского симфонизма тесно связаны и два его вокально-оркестровых произведения: «Весна» и «Колокола». Первое из них обозначено композитором как кантата. «Колоколам» он дает более нейтральное определение — «Поэма для симфонического оркестра, хора и солистов». Оба сочинения отличаются симфонической цельностью и единством замысла, в последовательном раскрытии которого ведущая роль принадлежит оркестру. Голоса включаются в это непрерывное развитие, дополняя оркестровое звучание и как бы «комментируя» его, придавая музыкальным образам большую смысловую конкретность и определенность. Подобное сочетание оркестрово-симфонического начала с сольным вокальным и хоровым стало явлением обычным для европейского симфонизма конца XIX — начала XX века.
ДУХОВНО-ХОРОВОЕ ТВОРЧЕСТВО
Значительную часть творческого наследия Рахманинова составляет духовная хоровая музыка. Впервые к крупной форме церковного искусства композитор обратился в 1910 г. Тогда им была создана Литургия св. Иоанна Златоуста.
Сочинение, несмотря на отсутствие подлинных древнерусских распевов, сохраняет основы национальной церковной традиции, несёт отпечаток мощной композиторской индивидуальности. Опираясь на антифонное клиросное пение, Рахманинов создал глубоко оригинальный музыкальный вариант цикла литургии. Его музыка выделяется полнозвучной красотой хоровой фактуры и лирической выразительностью чисто рахманиновской мелодики. Сильное впечатление оставляют эпизоды мощного слияния двух хоров в кульминационных точках композиции. Премьера Литургии св. Иоанна Златоуста состоялась в концерте хора Синодального училища под управлением знаменитого регента Н.М. Данилина.
Успех премьеры Литургии св. Ионна Златоуста побудил композитора написать другой крупный цикл духовной музыки – Всенощное бдение (1915).
Всенощное бдение Рахманинова можно сравнить с грандиозным симфоническим произведением, созданным для хора a cappella. В сочинении пятнадцать частей, воплощающих целостную музыкально-драматическую концепцию. Части объединены общностью молитвенного текста и музыкальными средствами – древнерусскими распевами и гласами, лежащими в основе песнопений. Архаичные мелодии из Обихода в произведении Рахманинова обрели новый облик, а сочиненные самим композитором сохранили строгость и высшую простоту подлинных церковных песнопений. Круг образов Всенощной довольно широк: это и неспешное эпическое повествование, и взывающая к действию колокольность, и прозрачная лирика. Композитор свободно истолковал ритуальные тексты, подчинив их своим внутренним художественным задачам и религиозным переживаниям. Поэтому Всенощная редко звучит в храмах.
Премьера Всенощного бдения состоялась в колонном зале Благородного собрания. Исполнители – хор Синодального училища под управлением Н.М. Данилина.
ОПЕРНОЕ ТВОРЧЕСТВО
Оперное наследие Рахманинова представлено тремя одноактными произведениями — «Алеко» (1891), «Скупой рыцарь» (1905) и «Франческа да Римини» (1905). Композитор упорно искал «свой сюжет», избегая привычных оперных штампов и опасаясь неудачных решений. Многие его замыслы так и остались несущественными, и от них сохранились лишь самые предварительные наброски. Его первая одноактная опера «Алеко» была создана на готовое либретто В.И. Немировича-Данченко. Это достаточно традиционное для русской музыки лирико-драматическое сочинение, насыщенное остро конфликтными музыкальными образами. Драма героев разворачивается на фоне бытовых хоровых и танцевальных сцен, разделенных небольшими симфоническими эпизодами.
Главные персонажи получают яркие, психологически точные характеристики в следующих друг за другом завершенных вокальных номерах. Это песня Земфиры «Старый муж, грозный муж», каватина Алеко «Весь табор спит». В жанровых эпизодах оперы чувствуется влияние ориентальности, характерной для обрисовки «русского Востока» в музыке XIX в.
В основу оперы «Скупой рыцарь» положен оригинальный текст «маленькой трагедии» А.С. Пушкина. Тем самым Рахманинов продолжил традицию, идущую от декламационных опер А.С. Даргомыжского («Каменный гость») и М.П. Мусоргского («Женитьба»).
Произведение сжато по форме. В нём нет постепенно развивающегося сценического действия, и конфликт раскрывается через показ сложных психологических состояний героев. Рахманинов трактовал оперную форму как синтез вокальной и симфонической музыки при общем сквозном развитии. В его сочинении отсутствуют завершенные номера и чрезвычайно усилена роль оркестра, партия которого развивается по законам симфонизма, опирающегося на систему лейтмотивов.
Опера «Франческа да Римини» была написана после окончания «Скупого рыцаря». В основу ее либретто взят ренессансный сюжет из «Божественной комедии» Данте. Первоначально Рахманинов задумал большую четырехактную оперу, однако в процессе работы он обратился к сжатой форме, состоящей из двух картин с прологом и эпилогом.
После премьеры критика отметила близость «Франчески да Римини» одноименной симфонической фантазии П.И. Чайковского. В двух картинах оперы предстают трагические герои, наделенные глубокими чувствами. Стилистика этого сочинения несколько отличается от «Скупого рыцаря», вокальные партии более мелодизированы. Большую смысловую нагрузку в опере несет оркестр, тонко передающий переживания героев. Пронизывающие всю оркестровую ткань лейтмотивы служат объединяющей основой музыки. Особой выразительностью отличаются лейтмотивы главных персонажей – мрачный, зловещий у Ланчатто и светлый, лирический у Франчески.
Опера статична по своему замыслу и приближена к жанру кантаты. В ней подчеркивается состояние ужаса и безысходности, характерное для зрелых «пророческих» произведений мастера.
ВОКАЛЬНОЕ ТВОРЧЕСТВО
Романсы Рахманинова принадлежат к юношескому и зрелому периоду творчества. В этом жанре композитор создал около 80 сочинений, большая часть которых написана на стихи поэтов второй половины XIX – начала XX в.
До кризиса 1897 г. композитором были написаны три тетради романсов: ор. 4, 8 и 14. В них уже определились некоторые характерные черты его зрелой камерно-вокальной музыки. Это, прежде всего, равноправное сочетание необычайно выразительной и пластичной мелодии с красочным фортепианным сопровождением. Аккомпанемент в романсах Рахманинова становится не только фоном; он вбирает функцию «досказывания» музыкального образа.
Вокальные миниатюры воплощают целый мир лирических образов и чувств – от страстного любовного признания до погружения в тишину невыразимо прекрасной природы, от трепетного ожидания счастья до горестных раздумий об утраченных иллюзиях. Есть в романсах Рахманинова и особый скрытый «лейтмотив», навеянный предчувствием катастрофы в судьбе России.
Страстные чувства восторга и ликования выражены в другом популярном произведении раннего периода – романсе «Весенние воды» на слова Ф.И. Тютчева. В мелодии этого сочинения преобладают призывные энергичные обороты. Партия фортепиано создает живописную картину русской весны с её радостными звонами капели и приподнятым предчувствием торжества светлых начал жизни.
Шедевром раннего вокального творчества является романс «Не пой, красавица, при мне» на слова А.С. Пушкина. Главная мелодия появляется сначала в фортепианном вступлении, а затем в партии голоса. Обращаясь к пушкинскому стихотворению, Рахманинов по примеру своих великих предшественников М.И. Глинки, М.А. Балакирева, Н.А. Римского-Корсакова, придает образу сдержанную патетичность.
Романс «Сирень» на слова Е.А. Бекетовой отмечен удивительной естественностью в передаче полного слияния человеческого «я» с прекрасными картинами природы – восходом солнца, капельками росы на гроздьях пахнущих цветов. Фигурации фортепиано вызывают ассоциации с легким ветром, чуть колышащим листву сирени. Распевная мелодичность пронизывает всю музыкальную ткань, создавая ощущение полного «надмирного» покоя.
Романс «Здесь хорошо» на слова Г.А. Галиной продолжает развитие лирико-созерцательных образов в творчестве Рахманинова. В нем отразилось романтическое чувство любви к России, ощущение нерасторжимости связей «земли и души». Непрерывное течение мысли создается с помощью однотипных фигураций в аккомпанементе, ровного движения мелодии, постоянного колебания параллельного мажоро-минора (ля мажор – фа-диез минор). Вокальная и инструментальная партии в этом романсе тесно взаимосвязаны. Мелодия в аккомпанементе звучит как продолжение основной вокальной темы, как её своеобразный подголосок. Кульминация развития образа приходится на самую тихую эмоциональную вершину сочинения, передавая состояние растворенности героя в бескрайних просторах русской природы.
В конце лета и сентябре 1906 г. композитор создает пятнадцать романсов ор. 26. Этот новый всплеск творческого интереса к камерно-вокальному жанру был связан с благоприятной атмосферой, окружавшей композитора в его любимом месте летнего отдыха Ивановке. В таких сочинениях, как «Я опять одинок», «У моего окна», «Ночь печальна», «Проходит все», «Покинем, милая», воплотилась способность Рахманинова говорить о своих чувствах с непосредственной искренностью и вместе с тем страстностью. Зрелый вокальный стиль композитора отличается сочетанием пластичной кантилены с элементами декламационности.
Романс «Ночь печальна» на слова И.А. Бунина относится к разновидностям русской элегии. В отличие от светлых созерцательных образов слияния человека и безмятежной природы, в этом сочинении передано сумрачно-трагическое внутреннее состояние героя. Мелодическую основу романса составляют два тематических образования. Первая тема звучит у голоса, воплощая интонации печальных вздохов, вторая – у фортепиано, создавая настроение безысходной покорности судьбе.
В 1915 г. Рахманинов создал «Вокализ», посвятив его великой певице А.В. Неждановой. Гениальная «песня без слов» исполнена глубокой печали, исходящей от интонаций, рожденных «мотивом прощания», образом ускользающего невозвратимого счастья. Музыкальная ткань «Вокализа» насыщена русской песенностью, истоки которой многообразны. Это и бесконечные мелодии знаменного распева, и долгие, протяжные русские народные песни, и грустные откровения бытовой вокальной лирики. Глубоко самобытный характер вокальной темы дополняется диатоничностью гармонии и параллелизмом движения голосов в аккомпанементе. Характерно, что национальная основа сочетается в «Вокализе» с неоклассическими тенденциями «реставрации барокко». Специфически барочной является старинная двухчастная форма романса, принцип постепенного развертывания темы из начального ядра, строгая ритмичность движения.
Творчество Рахманинова соединило классические традиции отечественной музыки с мировым музыкальным искусством XX в. Композитор многое взял от своих великих предшественников, завершив в своих произведениях «портрет» духовного облика русского народа, воссозданный в музыкальной культуре XIX столетия. Отразив трагедию России, Рахманинов воспел ее величие и красоту в исповедальных музыкальных образах, полных экспрессии и тонкого психологизма.
Популярная прелюдия соль минор ор. 23. №5 представляет собой переосмысленный жанр марша. В этой прелюдии воссоединяются два разнородных начала, свойственных его музыке – это железная, маршеобразная ритмика и непрерывная льющаяся мелодика, пропитанная глубоким лиризмом и утонченными чувствами. Эти два начала показаны Рахманиновым с необычайной контрастностью.
Сергей Васильевич
Рахманинов
(1873–1943)
Второй период – 1901-1917 гг. – считается самым плодотворным для Рахманинова. В этот период родились вдохновенные произведения, отмеченные зрелостью и самобытной яркостью: Второй и Третий фортепианные концерты, сифмоническая поэма «Остров мёртвых», этюды-картины ор. 39 и прочие.
Первая часть начинается почти сразу с проведения главной темы в октавном изложении после двух вступительных тактов оркестра. Аскетичная и простая мелодия заставляет вспомнить интонации старинного знаменного распева.
«Симфонические танцы» создавались Рахманиновым в очень трудное время, на новом жизненном переломе. За несколько лет, прошедших в эмиграции, у него сложился определенный годовой ритм с гастролями по миру, с непременным летним отдыхом. В этом последнем оркестровом произведении великого композитора явно заложены элементы автобиографичности. Первоначально он собирался дать частям его программные названия: I — «День», II — «Сумерки», III —«Полночь», очевидно имея в виду не время суток, а стадии человеческой жизни, причем не с начала ее, а с пика жизненных сил. Однако в окончательной редакции он решил отказаться от каких бы то ни было программных объяснений.
«Симфонические танцы» Рахманинов посвятил Филадельфийскому симфоническому оркестру и его руководителю Юджину Орманди. Первое их исполнение состоялось 3 января 1941 года в Филадельфии. В России Симфонические танцы прозвучали впервые 25 ноября 1943 года в Москве под управлением Н. Голованова.